Historia de la fotografía artística en el siglo XX: De la documentación al arte conceptual
La fotografía artística en el siglo XX vivió una profunda transformación, dejando atrás su uso meramente documental para convertirse en un medio de expresión estética y conceptual. Desde sus inicios como herramienta técnica, la fotografía evolucionó en paralelo con los movimientos artísticos y los cambios sociales del siglo.
En las primeras décadas del siglo, fotógrafos como Alfred Stieglitz y Edward Weston defendieron la fotografía como un arte autónomo, alejado de la pintura. El pictorialismo dio paso a una estética más pura, centrada en la composición, la luz y la forma. En Europa, la Bauhaus también jugó un papel clave al integrar la fotografía en sus propuestas modernistas.
Durante el periodo de entreguerras, la fotografía se convirtió en testigo y crítica de la realidad social. Fotógrafos como Dorothea Lange o Walker Evans documentaron la Gran Depresión en Estados Unidos, mientras que en Europa se fortalecía la fotografía surrealista con artistas como Man Ray.
A partir de los años 50 y 60, la fotografía experimentó una apertura a nuevas temáticas y estilos. El auge del fotoperiodismo, la fotografía callejera (street photography) y el uso de la cámara como herramienta política marcaron esta etapa. Diane Arbus, Robert Frank o Garry Winogrand exploraron los márgenes de la sociedad, cuestionando las normas visuales y culturales.
En las últimas décadas del siglo, con el surgimiento del arte conceptual y los medios digitales, la fotografía se liberó de sus ataduras técnicas para convertirse en vehículo de ideas. Artistas como Cindy Sherman, Jeff Wall o Nan Goldin introdujeron narrativas personales, críticas de género y experimentaciones visuales que ampliaron las fronteras de lo fotográfico.
El siglo XX consolidó a la fotografía como una de las formas artísticas más influyentes del arte contemporáneo, abriendo paso a las exploraciones digitales del siglo XXI.
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