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Autos en atascos, peatones apresurados para llegar a tiempo a su destino, vendedores ambulantes intentando vender sus productos para obtener un pequeño ingreso al final del día. Distintas clases sociales habitan los mismos lugares en diferentes circunstancias. Sin embargo, hay algo común a todos: el arte que los rodea.

Aunque el conductor no se convierte en peatón, al igual que los vendedores ambulantes no forman parte del mayor grupo de consumidores de arte "académico" —que se limita a entornos específicos, dirigidos a un público específico—, existe un tipo de producción artística que no solo sirve como un realce visual del entorno urbano, sino que también es accesible a todos los que transitan por la zona donde se ubica.

El arte urbano, generalmente asociado a movimientos sociales, la emotividad de sus creadores, la representación de una preocupación, un pensamiento, un fragmento de historia, entre muchas otras situaciones, está presente en los centros y suburbios de las ciudades y es responsable de esa fracción de segundo en la que una persona hace una pausa en su vida cotidiana y, en poco tiempo, dirige su mirada hacia una obra de arte. Allí, entre coches, peatones y vendedores ambulantes, al aire libre.

La libertad de apoyo, sin embargo, da lugar a innumerables preguntas que surgen implícitamente en el desarrollo de un proyecto de arte callejero. ¿Quién permitió su creación? ¿En qué circunstancias lo desarrolló el artista? ¿Hay alguien que lo apoye?

Para iniciar el debate sobre la apreciación del arte urbano, por lo tanto, es importante destacar que, por muy espontáneo que sea, no surge de la nada. A veces, hay un profesional detrás de esos dibujos que debe asumir los costos de ejecución de esa obra. Después de todo, si se consume y, sobre todo, se demanda, alguien tiene que, además de crearlo, financiarlo.

Con esto en mente, presentamos este número con dos ejemplos prácticos de artistas independientes que hacen del arte su medio de vida, ya sea económico, social, emocional, político o terapéutico: Lundis, de Land Art, y Gil Leros, de Graffiti.
Land Art: El arte urbano da espacio a la sostenibilidad

En medio del turbulento contexto de la vida cotidiana en la capital de Maranhão, el "land art", o Land Art en su nombre original, surge como una alternativa para la proliferación del arte sin dañar el medio ambiente. De hecho, ofrece la integración del arte con los recursos naturales, preservando así el ecosistema local.

En este contexto, artistas locales ya están implementando esta iniciativa, aprovechando los recursos que ofrece la naturaleza y difundiendo su arte por toda la ciudad. Lundis da Silva, de 27 años, lleva ocho años en el mundo artístico y un año y medio practicando Land Art, dibujando mandalas en la arena. De esta manera, logra concienciar y animar a la gente a reflexionar sobre el cuidado de la naturaleza.

El Land Art es un arte efímero, un arte que no daña el medio ambiente y es un arte libre, completamente gratuito. También me ayuda a conectar con la gente que pasa por la orilla. Hago mandalas en la arena de la playa. Los desarrollo utilizando recursos naturales. Llego aquí sin herramientas y busco a lo largo de la orilla», explicó sobre su proceso creativo.

Además de facilitar la conexión entre el arte y el ecosistema, Lundis también aprovecha la oportunidad para conectar con la gente. Comparte: «Esta conexión me da una ventaja, ya que dispongo de más servicios y me da la oportunidad de transmitir lo que quiero transmitir a través de mi arte. Con esta intervención artística, abro la puerta para hablarles sobre el medio ambiente y sobre los artistas locales. Por eso me siento bien, porque hablo de mí mismo y de lo que mejor hago».

No solo eso, sino que el arte creado de esta manera, expuesto en la playa, también permite al público darse cuenta de que São Luís do Maranhão cuenta con una amplia gama de artistas talentosos y competentes. Esta estrategia busca romper con la tendencia a sobrevalorar a los artistas extranjeros: importar mano de obra artística para desarrollar proyectos que podrían ser realizados por artistas locales también es una forma de devaluar el arte local.
Grafiti Sí, Grafiti No

Es común, incluso más de lo esperado, ver el acto de grafiti referido como "graffiti" en noticias, artículos y textos. Sin embargo, antropológicamente hablando, surgió la necesidad de distinguir los términos, ya que si bien el término "graffiti" no es correcto, pero se usa, requiere un concepto. Se dice, entonces, que el grafiti, con FITE, no es más que pinturas callejeras demandadas por el mercado y aclamadas por los medios en general. El tema en cuestión es el grafiti, escrito con FFITI: proveniente del hip-hop, en los años 70, nació con el propósito de traer al arte temas sociales de gran relevancia, especialmente en los suburbios de Estados Unidos, donde la población negra era mayoritaria.

Siguiendo abordando contextualmente conceptos y terminología esenciales para deconstruir la confusión entre grafitis que persiste en la sociedad hasta nuestros días, introducir el término pichação como sinónimo de grafiti se convierte en una forma cada vez más urgente de analizar este movimiento en su conjunto y, por supuesto, de trabajar para romper las barreras de los prejuicios.

Al respecto, Gil Leros, artista de grafiti con más de 20 años de experiencia, argumenta: «El grafiti y el tagging son básicamente lo mismo. Solo cambian las características estéticas, pero la actitud al hacerlo, al salir a la calle y rascar, nació de la misma manera. Cuando el grafiti nace, nace de algo que no le gusta a la sociedad».

Ya sea una etiqueta con el nombre del artista, una palabra o una ilustración, el grafiti nos transporta más allá de un esquema visual, ya que, en esencia, surge como una protesta: a veces, la voz de un grupo se manifiesta a través de los colores de las paredes; otras, una historia se narra artísticamente en los muros de la ciudad, creando el paisaje urbano que será escenario de historias futuras.

En este último caso, la nueva obra de Gil Leros ofrece un excelente ejemplo de historia a través del arte. Ubicado en el barrio de São Francisco, el nuevo mural, desarrollado por el artista en colaboración con el colectivo Efeito Colateral, rinde homenaje al 50.º aniversario del hip-hop y representa los aspectos más importantes del surgimiento del movimiento, que también incluye el DJing, el rap y el breakdance.

Leros explica que su parte del mural, que representa a DJ Grandmaster Flash, hace referencia al mito original del hip-hop: el cartel de la fiesta que organizó el DJ para recaudar fondos para los útiles escolares de su hermana. "Este es el documento más antiguo que describe la dinámica del hip-hop, su estructura de compromiso social", añade el artista.
La delgada línea entre la diversidad y la falta de oportunidades

Ya sea en espacios urbanos como edificios y pasos elevados, o en contacto con la naturaleza, desde las flores en la playa, el arte simboliza la liberación del espíritu humano a través de la forma más simple de creatividad. Miles de artistas buscan espacio en el mundo artístico local, pero se enfrentan a problemas relacionados principalmente con la alta valoración de los artistas externos y la burocracia que implica participar en convocatorias públicas.

Al respecto, Lundis afirma: "Las políticas públicas dirigidas al ámbito artístico no facilitan el acceso de los artistas. Me refiero a convocatorias públicas, como Rouanet, Aldir Blanc, Paulo Gustavo. Hablo por experiencia personal. No soy una persona jurídica, soy un individuo. Cuando presentamos nuestros proyectos a convocatorias públicas, hay toda una burocracia para quienes no son personas jurídicas". Un punto importante a destacar es cómo las convocatorias y la provisión de recursos no favorecen la vida práctica de los artistas. En otras palabras, la ayuda de los organismos públicos no ha sido eficaz para contribuir a su trabajo. En algunos casos, la cantidad ofrecida no es la ideal para el artista, principalmente porque los costos del arte van más allá de la mano de obra: a menudo también incluyen materiales de trabajo, pinturas y, cuando es necesario, equipo de protección.

En estas situaciones, cuando el artista presenta una contraoferta que considera todos estos costos además de su mano de obra, la institución responsable la rechaza, la descarta y busca a otra persona que realice el mismo trabajo por una suma irrisoria para las arcas institucionales. Leros señala: «Supongamos que el gobierno no licita el grafiti, sino que quiere contratar un presupuesto de diez mil reales. Consideran varias ofertas y optan por la más barata, por ejemplo, 500 reales. Esto termina creando una estructura de mercado que conduce a la quiebra, una estructura un tanto desigual y poco realista», explica.

Estos obstáculos impiden que los artistas independientes reciban mayor apoyo y patrocinio externo, lo que dificulta su crecimiento, especialmente para quienes comienzan. "Es muy difícil ser artista aquí en São Luís. Por eso, la mayoría de los artistas que comienzan en el campo artístico no tienen éxito, porque es tan cerrado que es muy difícil. Un consejo que daría sería simplificar el proceso de licitación. Ser más exhaustivos en las condiciones publicadas en el sitio web", sugiere Lundis.

Es en este contexto, entonces, que existe una necesidad urgente de cambiar el enfoque del arte urbano más allá de la belleza. El debate sobre la valoración de los artistas callejeros y su trabajo no es nuevo, pero aún queda mucho por hacer, especialmente en Maranhão: importar mano de obra y, sobre todo, crear más oportunidades para ellos dentro de nuestro estado.
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