Andrea Giunta apresenta seu livro “Lições de Arte Contemporânea e Latino-Americana”

A autora é doutora, pesquisadora do CONICET (Conselho Nacional de Pesquisa Científica e Técnica) e, até recentemente, professora titular de Arte Latino-Americana e Internacional na Faculdade de Filosofia e Letras da Universidade de Buenos Aires.

A história da arte pode ser considerada uma atividade exclusiva de especialistas, encapsulada em técnicas, materiais, estilos e trajetórias de escolas artísticas, ou nas rupturas que geram novas linhas de trabalho. Mas é também uma disciplina na qual as disputas que permeiam toda sociedade podem ser vislumbradas nessas características, permitindo-nos compreender a história em sua forma mais pura, com todas as suas tensões, evoluções e exclusões. “Uma obra de arte encapsula um mundo”, propôs Andrea Giunta em Lições de Arte Contemporânea e Latino-Americana (Siglo XXI Editores), e, em conversa com a Página/12, ela elabora: “Dizem que uma imagem vale mais que mil palavras, mas não, é que há mais de mil palavras em uma imagem. Isso é interessante”, destaca. A autora recorda como ficou fascinada ao ouvir um artista falar durante “uma hora” sobre uma de suas obras: “Você não vê tudo o que está em uma obra, mesmo que esteja representado nela, se não decompor seus elementos em relação a diferentes contextos. Esse mundo compacto que está na imagem, mas você o expande”. Ela acrescenta: “Foi incrível que essa pessoa pudesse falar tanto sobre uma imagem. Existem milhões de palavras, e obviamente tudo o que ele descreveu, que estava na obra, eu não vi”.

Giunta, autor de inúmeros livros (Feminismo e Arte Latino-Americana; Contra o Cânone; Vanguarda, Internacionalismo e Política, entre outros), é doutor, pesquisador do CONICET (Conselho Nacional de Pesquisa Científica e Técnica) e, até recentemente, professor titular de Arte Latino-Americana e Internacional na Faculdade de Filosofia e Letras da Universidade de Buenos Aires. Lições… é composto por três capítulos que traçam a trajetória artística de Giunta: o primeiro sobre as características da arte latino-americana contemporânea; o segundo sobre os contextos em que essas obras foram produzidas e como influenciaram outras; e o último, de cunho pessoal e coletivo, aborda como ele elaborou um programa de curso enquanto estudava simultaneamente os livros publicados durante os anos de reformulação acadêmica após o retorno à democracia. O livro conclui com um glossário no qual o autor apresenta as definições utilizadas ao longo da obra.

"Quais são as características da arte latino-americana contemporânea? Deve ter havido sofrimento na Europa e nos Estados Unidos, mas não transparece tanto. Surgem mais questões técnicas, abordagens ou maneiras de produzir arte, mas aqui, com diferentes tipos de artistas, com diferentes técnicas e abordagens, existe uma tradição colonial de exploração, pilhagem e sofrimento."

"Nós, latino-americanistas, temos debatido bastante sobre esse desejo de encontrar uma marca identificadora para a arte latino-americana. Pensando sob outra perspectiva, prefiro substituir o conceito de identidade, que é bastante essencialista, e, em vez de falar sobre identidade, falo sobre o lugar de onde a arte é produzida. É por isso que não estudo a arte da América Latina, mas a arte da América Latina." Mudar a perspectiva permite compreender os processos envolvidos. Por exemplo, se compararmos Oswaldo Guayasamín com Diego Rivera, temos claramente um artista que é como um contador de histórias, um cronista, como Rivera. O grande mural no Palácio Nacional — todas aquelas figuras podem ser identificadas se as estudarmos. Em contraste, o processo de Guayasamín é mais alegórico, focando na ideia do sujeito sofredor em vez de uma crônica.

Mas também é preciso ser capaz de entrar nessa narrativa, e nem todos conseguem. De fato, houve uma exclusão de mulheres, minorias e dissidentes, o que você explica no livro. Como você combate isso?

Precisamos nos interessar em mapear as histórias de mulheres, histórias de artistas africanos ou afro-americanos que foram deixados de fora do que se chama de cânone — o cânone que conta a história da arte moderna, quais artistas estão incluídos nessa história. Quando você analisa essa história, são quase 95% artistas homens, do Pós-Impressionismo à Pop Art. Aí muda um pouco, mas os nomes de artistas homens ainda dominam. Acredito que a arte e a cultura são fundamentais para moldar o conceito de cidadania, e acho que quanto mais pontos de vista, quanto mais diverso for o público que visita um museu, mais ele contribui não só para o seu conhecimento, mas também para o seu desenvolvimento crítico. A possibilidade de apreciar não apenas Picasso, Cézanne ou Van Gogh, mas também outros artistas. Eu inverto a questão: sempre se diz que as artistas mulheres que foram deixadas de lado não eram valorizadas, e o problema recai sobre elas. O que elas perderam? Por que foram subestimadas? Minha pergunta parte do outro ponto de vista.

O que o público perde quando lhe é negado o acesso a obras que oferecem perspectivas, sensibilidades e conceitos alternativos? Eu vejo isso do ponto de vista do público.

Essas perspectivas alternativas são caminhos para a compreensão da sociedade através da arte, vistas pela lente das ciências sociais, que são "questionadas a partir de uma perspectiva clichê, paródica e desvalorizadora", reflete Giunta. "Espero que este livro também sirva como uma forma de visualizar o que é específico da arte, da história da arte e das humanidades em geral. Por que elas continuam sendo necessárias, na medida em que oferecem maneiras de pensar, na formação de um cidadão crítico", afirma. Ela considera os museus, mas também as redes e a internet, como espaços para a investigação social: "Algo em uma obra chama a sua atenção, e você começa a investigar, a criar um mundo ao redor dela, a ver coisas que não tinha visto antes e a explorar diferentes possibilidades. Isso é algo que a arte nos ajuda a fazer", enfatiza. “Por exemplo, com tantas reformulações geopolíticas acontecendo hoje, pode ser útil para o leitor entender o que significa América Latina, explorar as várias maneiras de nomear o continente que estão historicamente inscritas”, sugere o autor.

“Por que esse terceiro capítulo? Você menciona ter estudado sob a ditadura, ter entrado para a faculdade, ter lido livros assim que eram lançados para incluí-los em suas aulas, como você cresceu na universidade…”

“Inicialmente, era a introdução do livro (risos). A introdução, assim como as conclusões, que aprofundam o debate sobre a necessidade das humanidades, é, como meu editor sempre me diz, quando você escreve as conclusões, você começa um novo livro. Não consigo evitar escrever essas conclusões já em diálogo com o que estou pensando. Essa era a introdução e, na verdade, claro, a introdução tinha o objetivo de explicar a fenomenologia ou subjetividade que envolve o processo de começar a lecionar essas disciplinas, que são as disciplinas introdutórias do ano de Arte Latino-Americana e Arte Internacional.” E é uma história arqueológica, porque é uma arqueologia da biblioteca. Como foi esse processo de ideias sobre o latino-americanismo e a ideia de arte latino-americana? Como se desenvolveu através da história dos livros? Através da história dos historiadores da arte, dos críticos, como eles reformularam esses problemas da identidade latino-americana?
-Como surgiu a ideia do glossário?

-Eu trabalho muito com glossários. Já existe um glossário no livro *Pós-crise: Arte Argentina Depois de 2001*. E mais tarde, quando fizemos *Verboamérica* no MALBA, nós curamos a coleção permanente, e o designer, antes de adicionar os créditos, incluiu o glossário, com o qual você abre o catálogo e que começa com a palavra "ativismo". Eu adoro fazer glossários porque trabalho com conceitos, não buscando a definição verdadeira, única e absoluta. Todo o trabalho em torno do conceito de vanguarda exemplifica isso: muitos autores definem o que é vanguarda, mas a verdadeira questão é o que essa definição deixa de fora. Por isso, prefiro a luta pelo significado; quando incluo um glossário, estou essencialmente oferecendo uma definição naquele momento. Além disso, como frequentemente trabalho com o presente, é importante, como no caso do "cacerolazo" (protesto com panelas). Era o vocabulário da época: cartoneros (catadores de papelão), coletivos de artistas. Quem consultar o glossário encontrará um conjunto de palavras relacionadas aos temas abordados no livro. É incompleto, mas útil para a compreensão do assunto abordado.

"Lições de Arte Contemporânea e Latino-Americana" será apresentada na quarta-feira, dia 20, às 18h30, no MNBA (Av. Del Libertador, 1473). Os participantes incluem Gonzalo Aguilar, Mariana Marchesi, Pablo Fasce, Ana Inciarte e o autor.
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